Rendez-vous sur Beale Street

Deux films à ne pas manquer cette semaine, l’un prestigieux, l’autre plus intimiste. IF BEALE STREET COULD TALK de Barry Jenkins (Oscar 2017 du meilleur film pour “Moonlight”) est absolument incontournable, puisqu’outre ses grandes qualités cinématographiques, il est également d’un actualité brillante face à la recrudescence du racisme aux USA. EIGHT GRADE de Bo Burnham s’intéresse à une adolescente introvertie et solitaire dans un film qui ne pourrait être plius éloigné des comédies “adolescentes” américaines. Les fans de mangas et de fims d’action seront sans doute comblés par ALITA – BATTLE ANGEL de Robert Rodirguez, co-écrit et coproduit par nul autre que James Cameron. Deux comédies françaises et une co,édie dramatique allemande viennet compléter le tableau de chasse. Jean-Pierre THILGES  

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Titre français: Si Beale Street pouvait parler; Drame; Réalisateur, scénariste: Barry Jenkins, d’après le roman de James Baldwin; avec Kiki Layne, Stephan James, Regina King, Diego Luna; Directeur/Photo: James Laxton; Musique: Nicholas Britell; USA 2018, 119 minutes; Sélection officielle Toronto International Film Festival 2018; Golden Globe 2019 Meilleure actrice dans un second rôle/Regina King.

Tish et Fonny sont amis depuis leur tendre enfance. Cette amitié naïve s’est transformée en un amour profond et sincère. Alors que les amoureux s’apprêtent à déménager ensemble, Fonny est accusé d’un crime qu’il n’a pas commis et se retrouve derrière les barreaux. Tish apprend alors qu’elle est enceinte de lui. Malgré les réticences de la famille de Fonny face à cet enfant conçu dans le péché, Tish décide de le garder. Pendant sa grossesse et après la naissance du bébé, la jeune femme de Harlem s’efforcera de faire innocenter l’homme de sa vie et faire triompher la justice…(Résumé: 


  • Rappelez-vous le scandale aux Oscars il y a deux ans, quand Warren Beatty annonçait “La La Land ” comme meilleur film, alors que la statuette devait aller à “Moonlight” de Barry Jenkins. Deu ans plus tard, Barry Jenkins revient avec un nouveau film, toujours sinon plus fort encore que “Moonlight”. Adapté d’un roman de l’écrivain noir James Baldwin (voir aussi “I am not your negro/Documentaire de Raoul Peck sur Netflix), le film est peut-être d’une facture classique (encore que, c’est un chef d’oeuvre visuel) mais son contenu est loin d’être classique et certainement d’une grande actualité, en vue de ce qui se passe actuellement aux Etats-Unis. “If Beale Street could talk” est un des grands films de 2019. Et comme si souvent, c’est à Toronto que nous l’avons découvert! (jpt) 


  • With his third film, the writer-director Barry Jenkins carries with him an impossible weight of expectation, the kind of which he was less burdened with when Moonlight premiered in 2016. Before then he had made an acclaimed yet small-scale 2008 drama called Medicine for Melancholy, and little did any of us know just how far his follow-up would go, from gaining enthused festival buzz to becoming a groundbreaking best picture Oscar winner. Two years later he returns with a wider, hungrier audience in tow and his decision to adapt a much-loved James Baldwin novel attaches an even greater level of anticipation along with unfair yet unavoidable pressure. While If Beale Street Could Talk has a more traditionally structured plot than Moonlight, it’s still far from conventional, with Jenkins telling his story via a shifting, time-jumping narrative. The story focuses on Tish (KiKi Layne) and Fonny (Stephan James), childhood friends who become lovers yet whose bond is tested when Fonny is falsely accused of rape. As he awaits trial behind bars, Tish finds out she is pregnant and, with the help of those around her, works to try to get him released before the baby arrives. It’s a film with love at its root, both familial and romantic, and Jenkins fills so much of it with a radiating warmth. The decision to move back and forth through the story allows us to understand and invest in the central relationship and there’s a nuanced delicacy in how he conveys the early stages of falling for someone. It’s the small moments that make you realise and, as he showed us in Moonlight’s heart-grabbing diner scene, he has a skill for recognising the important subtleties of body language. In matching the newcomer Layne with James, best known for playing Jesse Owens in Race, he has found a pairing whose chemistry charms and bewitches – with every scene we feel more engaged and then enraged when they’re pulled further apart. (Benjamin Lee/The Guardian) 


  • As an African-American filmmaker fresh off his big Oscar win, Jenkins doesn’t seem especially worried about the “what white people think” side of that equation (and why should he be, when the story is his to tell?). Instead, he adapts Baldwin’s novel for more or less the same personal reasons he wrote “Moonlight” — as a chance to explore the black experience in America — and in both films, prison is the thing that derails what could have been a beautiful life. In “Beale Street,” which proves even more playful with traditional chronology than “Moonlight,” the characters’ belief in love never wavers amid the setbacks, which makes an impactful statement about the way African-Americans must cope with a broken system — one reinforced by the use of vintage black-and-white snapshots of black life throughout. (Peter Debruge/Variety) 




Comédie dramatique; Réalisateur, scénariste: Bo Burnham; avec Elsie Fisher, Daniel Zolghadri, Deborah Kara Unger, Frank Deal; Directeur/Photo: Jennifer Lilly; USA 2018, 94 minutes; Sélection officielle Sundance Film Festival 2018. 

Kayla entame sa dernière semaine à l’école intermédiaire avec une certaine appréhension. Adolescente introvertie et solitaire, elle publie sur YouTube des capsules vidéos sur la confiance en soi et l’estime de soi apparemment ignorées de tous. Incapable de mettre en pratique ce qu’elle prône, Kayla est déchirée entre sa perception d’elle-même et celle qu’elle croit devoir être. Cependant, la rencontre d’Olivia lors d’une visite préparatoire dans une école secondaire semble la transformer et lui redonner le goût de s’amuser…


  • Discover newcomer Elsie Fisher in, like, a totally spot-on, you know, portrait of Millennial angst and stuff, from first-time director Bo Burnham. (…)  Though so much of “Eighth Grade” feels achingly honest, Burnham can’t help but fall back on a few of the stock coming-of-age-movie clichés: Kayla’s obsessed with a classmate named Aiden (Luke Prael), for whom the soundtrack swells and the world moves in slow-motion every time he appears, and she barely notices Gabe (Jake Ryan), the weird kid who wants more than naked selfies or a quick trip to third base from her. Like Dawn Wiener in Todd Solondz’s infinitely harsher “Welcome to the Dollhouse,” Kayla wants the validation of a cute guy’s attention. But it’s not like she’s going to marry either of these boys anyway. Fisher has the unique challenge of making an average girl seem exceptional, tapping into that universally identifiable sense of vulnerability that shows plain as acne at that age. Somehow, Kayla escapes without a single person asking what she wants to be when she grows up (although an early montage shows her doodling googly-eyed anime characters into her spiral notebook and showing a certain aptitude in art class), and that’s one stress she can defer to next year, when she hits ninth grade. Middle school, as Burnham shows it, has changed a lot since most of us were there: Where previous generations learned to duck-and-cover in the event of a Russia-launched nuclear attack, these kids roll their eyes during a school-shooting drill. Consider this: Neither Kayla nor Kennedy had been born yet when the movie “Mean Girls” was released, and they’re both entirely too self-absorbed to be proactively cruel to their classmates anyway. “Eighth Grade” isn’t about bullying; it’s about how hard we are on ourselves at that age. At one point, Kayla opens a shoebox time capsule she addressed “to the coolest girl in the world” two years earlier, and seems not to recognize the girl whose hopes and dreams it contains. It’s too bad she can’t send a message in the opposite direction, reassuring her insecure younger self that “It Gets Better.” (Peter Debruge/Variety)




Science-fiction; Réalisateur: Robert Rodriguez; avec Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Mahershala Ali; Scénaristes: Robert Rrodriguez, James Cameron, Laeta Kalogridis, d’après le manga de Yukito Kishiro; Musique; Junkie XL: USA/Canada/ Argentine 2019, 122 minutes.

Lorsqu’Alita se réveille sans aucun souvenir de qui elle est, dans un futur qu’elle ne reconnaît pas, elle est accueillie par Ido, un médecin qui comprend que derrière ce corps de cyborg abandonné, se cache une jeune femme au passé extraordinaire. Ce n’est que lorsque les forces dangereuses et corrompues qui gèrent la ville d’Iron City se lancent à sa poursuite qu’Alita découvre la clé de son passé – elle a des capacités de combat uniques, que ceux qui détiennent le pouvoir veulent absolument maîtriser. Si elle réussit à leur échapper, elle pourrait sauver ses amis, sa famille, et le monde qu’elle a appris à aimer.


  • Twenty years in gestation, James Cameron’s long-cherished manga adaptation Alita: Battle Angel finally reaches the big screen with help from director Robert Rodriguez and Peter Jackson’s digital effects team. With that kind of cinematic pedigree, backed by a reported $200 million budget, this kick-ass cyberpunk adventure seems to be aiming for the same blockbusting box office heights as the Hunger Games franchise. But a lumpy script, muddled plot, stock characters and tired genre tropes may dampen its commercial breakout potential beyond its core sci-fi action-fantasy demographic. While not exactly a misfire, Rodriguez and Cameron’s joint effort lacks the zing and originality of their best individual work. (Stephen Dalton/The Hollywood Reporter)


  • It is a view broadly held in Hollywood that writing is not the greatest of James Cameron’s manifold filmmaking gifts: The visual storytelling of his blockbusters is what sticks, not the plywood poetry he sticks in the mouths of his often perfunctory characters. A new Cameron production that boasts his imagination behind the keyboard rather than the camera, “Alita: Battle Angel” does little to change that perception. Directed instead with budget-splashing brio but little genuine inspiration by Robert Rodriguez, this manga-based cyberpunk origin story is a pretty zappy effects showcase, weighed down by a protracted, soul-challenged Frankenstory that short-circuits every time it gets moving. Landing somewhere at the intersection of “Pinocchio,” “Ghost in the Shell” and, uh, “Rollerball” — yet more generic than this disparate cocktail of reference points might lead you to expect — “Alita” might prove a shiny enough commercial distraction in the bleak midwinter box office to greenlight the copious sequels promised by its frustratingly splintered narrative. If it does, there are some promising elements here to build on, beginning with the title character: Played with perky enthusiasm by Rosa Salazar, a long-serving side player easing into kickass lead territory, Alita is a refreshingly buoyant presence in a genre dominated by more dour heroines. It’s a shame, then, that Salazar’s personable performance is smothered somewhat by an eerie digital makeover: Her smoothed features and dewy, supersized peepers may be a direct nod to manga character design, but they make her look more like an android imagined by Margaret “Big Eyes” Keane. (Guy Lodge/ Variety) 




Dramatische Komödie; Regie: Felix Binder; mit Tim Oliver Schultz, Damian Hardung, Luise Befort, Timur Bartels, Jürgen Vogel; Drehbuch: Jan Martin Scharf, Arne Nolting, Albert Espinosa, nach dem Roman von Albert Espinosa; Kamera: Thomas Schinz; Musik: Jens Oetrich; Deutschland 2019, 113 minuten.

Sechs Jugendliche, sechs Geschichten. Am Ende kreuzen sich ihre Wege im Krankenhaus. Hugo traut sich, von einem 10-Meter-Turm zu springen, fällt danach jedoch ins Koma. Leo ist schlagfertig und voller Lebensenergie. Doch nach großen Schmerzen erhält er die Diagnose Knochenkrebs. Weitere Schicksalsschläge stellen seinen Optimismus auf die Probe. Emma buhlt um die Aufmerksamkeit und Anerkennung ihres Vaters. Aufgrund ihrer Essstörung wird auch sie stationär behandelt. Jonas leidet unter der Schikane seines älteren Bruders, findet jedoch neues Selbstbewusstsein. In Tonis Welt hat alles Ordnung und Struktur. Er hat das Asperger-Syndrom und wird in den alltäglichen Herausforderungen von seinem Opa unterstützt. Alex ist ein selbstüberzeugter Junge aus reichem Elternhaus, doch auch er hat mit Niederlagen zu kämpfen. Zusammen werden sie im Krankenhaus den Club der roten Bänder gründen. (Zusammenfassung: 


Der Film erzählt die Vorgeschichte der gleichnamigen Serie (auf VOX) und stellt die Lebensumstände der Jugendlichen vor, bevor sie im Krankenhaus enge Freunde werden. Die erfolgreiche und beliebte Serie ist die deutschsprachige Adaption der katalanischen Serie „Polseres Vermelles“, die auf der Autobiografie Albert Espinosas beruht. Neben klassischen Schuss-Gegenschuss-Einstellungen werden im Film viele Vogel- und Froschperspektiven verwendet. Hugo fungiert als allwissender Erzähler der Geschichte. Er begleitet das Geschehen aus dem Off, gibt Ausblicke auf spätere Ereignisse und fasst Erkenntnisse zusammen, darunter, dass sie sich nur gegenseitig aus ihrem Leid und ihrer Einsamkeit befreien können. Auf diese Weise vermittelt sich Zuversicht – trotz geballter Schicksalsschläge. Die Protagonist*innen finden sich zum Teil in imaginierten, irrealen Welten wieder, in denen sie auf verstorbene Personen treffen, durch deren Worte sie neue Lebenskraft schöpfen. (  




Comédie policière; Réalisateur: Philippe Lacheau; avec Philippe Lacheau, Élodie Florian, Tarek Boudali, Julien Arruti, Didier Bourdon, Gérard Jugnot, Pamela Anderson, Dorothée (oui, celle-là même); Scénariste: Philippe Lacheau, d’après le manga de Tsukasa Hojo; Directeur/Photo: Vincent Richard; Musique: Maxime Desprez, Michael Tordjman; France 2019, 91 minutes.

Nicky Larson est le meilleur des gardes du corps, un détective privé hors-pair. Il est appelé pour une mission à hauts risques : récupérer le parfum de Cupidon, un parfum qui rendrait irrésistible celui qui l’utilise…

Pour s’imprégner parfaitement de l’univers de Nicky Larson, Julien Arruti, Philippe Lacheau, son frère Pierre Lacheau et Pierre Dudan ont revu les 144 épisodes du dessin animé qui ont été diffusés en France et relu les 37 numéros du manga. “Mais nous avons aussi visionné les différentes adaptations qui ont été faites de l’oeuvre à l’étranger, notamment un film chinois avec Jackie Chan. C’était important de tout voir pour raviver nos souvenirs, il fallait se réapproprier le ton pour se lancer dans la narration. L’important était de conserver l’univers et les personnages. C’est comme cela que nous est venue l’idée d’une quête autour du Parfum de Cupidon, une fragrance qui a le pouvoir de rendre irrésistible. Mais la vraie difficulté était d’attirer toute la nouvelle génération qui nous suit depuis BABYSITTING mais ne connaît pas forcément Nicky Larson sans trahir les fans de la première heure. Cela exigeait un gros travail d’écriture et l’intégration au script de nombreux clins d’oeil à la fameuse « génération Club Dorothée ». C’est pour cela qu’on a souhaité inviter au casting la vraie Dorothée, la voix française de Nicky Larson, Vincent Ropion, (que l’on a rebaptisé Jean-Michel Lavoix) mais aussi le chanteur du générique du dessin animé, Jean-Paul Césari.” (Dossier de presse)


  • Si Lacheau réussit une belle adaptation de Nicky Larson, traversée de purs moments de grâce comique, l’homophobie ordinaire qui colorait déjà les précédents travaux de sa bande est encore de la partie…(Ecran Large) On s’attendait au film le plus nul de l’année. Le pitch, la bande-annonce, les affiches…, tout laissait présager au pire. Mais non, pas d’accident industriel. Nicky Larson : Le Parfum de Cupidon (inspiré du célèbre dessin animé du Club Dorothée et du tout aussi célèbre manga japonais City Hunter) est un délire adulescent complètement assumé, une aventure pétaradante qui vire à l’absurde. (Le Point) Cette adaptation passéiste et quasi littérale de la série d’animation “francisée” s’assume comme une récréation cartoonesque, malgré des fautes de goûts. (Les Fiches du Cinéma) Si les gags “osés” sont plus ou moins réussis, le cinéaste se rattrape sur ses habituels points forts : qualité des scènes d’action et pureté des histoires d’amour. (Télérama) Le film, comédie d’action poussive et laide tournée en prises de vues réelles, fait ainsi subir les outrages à la belle bande dessinée originelle, City Hunter. (Le Monde) 




Comédie; Réalisateur: Fabien Onteniente; avec Franck Dubosc, François-Xavier Demaison, Josiane Balasko, Thierry Lhermitte, Mäiwenn; Scénaristes: Fabien Onteniente, Guy laurent, Franck Dubosc; Directeur/Photo: Pierre Gantelimd’Ille; Musique: Benjamin Biolay, Daniel Koueloukouenda; France 2019, 92 minutes.

Planté par sa fiancée à l’aéroport, Bruno s’envole seul pour une semaine dans un club de vacances All Inclusive aux Caraïbes. Une mauvaise nouvelle n’arrivant jamais seule, il va devoir partager sa chambre avec Jean-Paul Cisse, éternel célibataire très envahissant…
Avec  Lulu, retraitée et veuve très open, Caroline, Manon et Sonia, trois copines venues enterrer le divorce de la première et Edouard Laurent, le directeur du Club Caraïbes Princess, les deux vacanciers ne sont pas prêts d’oublier leur séjour sous le soleil des cocotiers…

Ce sera encore une très grande réussite…


All inclusive est le cinquième film que Franck Dubosc écrit et tourne avec Fabien Onteniente après Camping (2006), Disco (2008), Camping 2 (2010) et Camping 3 (2016). Le comédien confie : “Fabien n’est pas acteur, je le suis à sa place et quand je ne réalisais pas encore, il le faisait pour moi… Je dirais que nous avons beaucoup appris en avançant ensemble et c’est aussi grâce à cela que je suis parti sur mon propre film à un moment donné. En fait, je lui dois mon succès et peut-être que la réciproque est vraie… Nous nous sommes beaucoup servis l’un de l’autre, professionnellement et humainement parce que nous pensons les mêmes choses, nous avons envie des mêmes choses, ce qui n’empêche pas évidemment chacun d’avoir sa propre individualité. Et sans doute qu’à l’arrivée nos films en commun ont le goût et la couleur du cocktail que nous formons tous les deux…” (Dossier de presse) 



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